El cuadro planteado para esta semana es Desnudo bajando una escalera, de Marcel Duchamp.
Frente al conflito que aparece en el cuadro anterior, la disolución de
la figura en el fondo, este cuandro trata de reflejar el movimiento, el
tiempo, mediante la superposición de distintos instantes de una figura
femenina bajando una escalera. En este aspecto se asemeja al anterior en
el sentido de que, pese a que el cubismo centra la obra en un instante,
tambié trata de superponer distintas perspectivas del mismo objeto. Por
tanto, el el cuadro aparecen dos fuerzas principales, la marcada por la
figura de la mujer, la vertical, que constituye la generatriz de la
disposición, y se desplaza siguiendo una línea oblicua, la directriz,
que coincide con el vector desplazamiento de la figura en el marco. De
esta forma, de nuevo, podemos entender el cuadro como un sistema de
direcciones. Además, el dinamismo queda patente en la técnica del
artista, con trazos rápidos y reiterativos, y la gradación del color,
desde tonos oscuros a la izquierda, hasta ocres claros en la derecha. El
contraste entre claros y oscuros da lugar a la diferenciación del fondo
y la figura.
Este jueves el trabajo, que consiste en dibujar a
partir del cuadro, es mejor que el de la semana anterior, pese a que de
nuevo, me pierdo en la geometría. Además, pierdo parte de la cohesión de
a figura de la obra, apareciendo como una anatomía dividida que después
se une.
El viernes, el ejercicio cambia, y se nos pide que empleemos el cuadro de Duchamp como una semilla que genera la geometría del cuadro. El cuadro se situa sobre el papal apaisado, y el resto es colonizado por las figuras y geometrías que sugiere. Concretamente, se trata de ir llevando la figura que genera la obra a través del papel sin ocupar.De alguna foma, el ejercicio trata de expandir el movimiento del cuadro.
Tras realizar el esquema nos lanzamos a los caballetes. Copiamos las formas generatrices y la llevamos a lo largo del resto de papel. De esta forma, se van concretando las figuras.Una lástima que no comencé de una forma lo sufucientemente suave par poder seguir definiendo las formas, acabando con grandes masas blancas.
19-04-12/20-04012
La semana comienza con una charla acerca de El Portugués, cuadro de Georges Braque. Enmarcado dentro del cubismo analítico, lo que destacábamos de él era la importancia de la exploración de la forma, en busca de una nueva figuración, que posteriormente sería canonizada en el cubismo sintético; la reflexión sobre la relación figura fondo, que en este cuadro se pierde, de no ser porque en el percibimos das geometrías diferentes que entran en diálogo; la falta de profundidad, que tan solo permanecía en la superposición de planos... Tratamos el asunto desde la perspectiva de la persona que pasea por un museo, una galería o una exposición y se encuentra con el cuadro. ¿Cómo abordar la imagen y la incertidumbre
que plantea? No se trata de arte figurativo, así que: ¿a dónde o qué hay que mirar en la obra? Por sucesivas aproximaciones podemos llegar a comprender el cuadro, buscando la relación entre el título y la imagen, definiendo figura y fondo, analizando las formas, la geometría, el color...
Con solo una hora por delante para introducirnos en el procedimiento, el resto de la clase fue ajetreada, aunque poco productiva, pues no terminé de comprender la geometría del cuadro, y de plasmar la situación inicial del cuadro. Por ello, no alzancé buenos resultados.
Por contraposición, el viernes dedicamos toda la clase a realizar un nuevo dibujo de la obra, como siempre, tratando de reproducir el procedimiento y no el resultado. Así pues, planteado las primeras lineas generativas y decidiendo cuales fueron las siguientes geometrías y operaciones que plantea el artista, comencé a trabajar. Teniendo la geometría clara, comienzan a aparecer semiplanos que se intersecan y crean espacios fluidos. Al chunky siguió la aplicación del color, que en la obra contribuye a dar unidad y a fragmentar el cuadro. Este día el trabajo resulto satisfactorio, e incluso sentí la necesidad de continuar dibujando acabada la clase.
2/12/11: La magia de la lejía
Esta clase tambiés se dividió en dos. En la primera continuamos con el dibujo del día anterior, aunque con otro propósito; introdujimos la lejía en el dibujo con tinta. De la misma forma que la goma o el trapo, la lejía permite recuperar un estado anterior en el dibujo, eliminar los trazos sobrates o excesivos o, incluso, para dibujar, como recurso pictórico del dibujo. Sin embargo, no hemos de penser en ella como una etapa en el dibujo: primero trazo una maraña de líneas y después borraré las que sobran". Se trata de un continuo diálogo, de un hacer y deshacer. Puesto que no tenía lejía perdí los primeros minutos de la clase buscando algun bote por la escuela. Al volver a la clase, esta ya estaba impregnada del olor a piscina propio de la lejía. A continuación comencé a aplicar la lejía sobre un modelo con exceso de líneas, observando el color amarillento que deja. También ha de ser utilizada de forma precisa y consciente. Pero, ante todo, lo más importante fue tener cuidado con no mancharse la ropa.
En a segunda nos trasladaron el enunciado para la entrega final que, como vereis en la próxima entrada, se trata de crear un espacio lúdico excavado en el terreno y cubierto. Para ello hemos de basarnos en alguno de una serie de cuadros propuestos. El criterio de evaluación será la complejidad del espacio obtenido.
En a segunda nos trasladaron el enunciado para la entrega final que, como vereis en la próxima entrada, se trata de crear un espacio lúdico excavado en el terreno y cubierto. Para ello hemos de basarnos en alguno de una serie de cuadros propuestos. El criterio de evaluación será la complejidad del espacio obtenido.
01/12/11: Apuntes como forma de conocimiento
En esta clase ahondamos más en el conocimiento de qué es un apunte, en que circunstancias se lleva a cabo y qué valores posee. Comenzabamos posicionandonos en la situación del dibujante. Se recurre al apunte en situaciones perentorias, incómodas, en las que no se disponi del material apropiado ni de el lugar. El apunte se realiza de pie, sentado, apoyado en la pared y con un bolígrafo o cualquier material que manche. También es un dibujo rápido, incómodo y con velocidad. El motivo es capturar una situación, un ambiente o un lugar... Sin embargo, y al contrario que la fotografía, requiere de un esfuerzo mental. No se toma un encuadre y se le da a un botón para capturar indiscirminadamente todos los detalles; se debe dirigir la mirada y seleccionar los elementos que interesan, así como sus interrelaciones, su posición con respecto al conjunto, su jerarquía...
En este sentido, el dibujo de apunte en una forma de conocimiento profunda y directa. De esta forma, en el apunte se puede captar el espacio, su profundidad, su escala, se puede establecer una duplicidad o diálogo, un monólogo, un espacio continuo... Lo que nos interesará de la realidad son las sensaciones que de ella se desprencden, la luz, los reflejos, las tonalidades, la forma y la atmósfera en general. Aquí aparece el concepto de supermirar, capturar imágenes de elemento de forma veloz para procede a reflejarlo.
Tras esta charla sobre el apunte, destacando una serie de apuntes del Guggenheim de Bilbao, continuamos con los apuntes de Giacometti. Empezamos trabajando en din-A 2, es decir, con el librillo de la clase anterior, para pasar a utilizar el papel entero. Hoy hubo mayor tensión que en días anteriores, ya que nos marcaron los tiempos para llevar a cabo el apunte. Con lo que más problemas tuvimos fue con mantener el cuadro en estado iniciático, manteniendo la tensión figura fondo y construyendo la obra poco a poco, con líneas finas.En su lugar aparecieron cuadros en los que era imposible continuar debido al gran grosor de los trazos, en parte debido a que ciertos petel estaban estropeados. Además, uno de los problemas que me surgen es el estancamiento. Llega un puento en el que, al no tener el modelo del que se tomó el apunte, no comprendo la madeja de líneas del cuadro. A mis ojos se convierten en meras líneas de relleno.
En este sentido, el dibujo de apunte en una forma de conocimiento profunda y directa. De esta forma, en el apunte se puede captar el espacio, su profundidad, su escala, se puede establecer una duplicidad o diálogo, un monólogo, un espacio continuo... Lo que nos interesará de la realidad son las sensaciones que de ella se desprencden, la luz, los reflejos, las tonalidades, la forma y la atmósfera en general. Aquí aparece el concepto de supermirar, capturar imágenes de elemento de forma veloz para procede a reflejarlo.
Tras esta charla sobre el apunte, destacando una serie de apuntes del Guggenheim de Bilbao, continuamos con los apuntes de Giacometti. Empezamos trabajando en din-A 2, es decir, con el librillo de la clase anterior, para pasar a utilizar el papel entero. Hoy hubo mayor tensión que en días anteriores, ya que nos marcaron los tiempos para llevar a cabo el apunte. Con lo que más problemas tuvimos fue con mantener el cuadro en estado iniciático, manteniendo la tensión figura fondo y construyendo la obra poco a poco, con líneas finas.En su lugar aparecieron cuadros en los que era imposible continuar debido al gran grosor de los trazos, en parte debido a que ciertos petel estaban estropeados. Además, uno de los problemas que me surgen es el estancamiento. Llega un puento en el que, al no tener el modelo del que se tomó el apunte, no comprendo la madeja de líneas del cuadro. A mis ojos se convierten en meras líneas de relleno.
25/11/11: COntinuamos con Giacometti
El viernes estuvo dedicado de nuevo al dibujo de apuntes, basándono en Giacometti, en el mismo soporte. En los dibujos de hoy trata de mantener el rigor del cuadro, de permitir que fiera surgiendo la escena paulatinamente y de ir dibujando fondo y figura simultáneamente. También dibujamos a compañeros, aunque solo me dio tiempo a hacer un dibujo. Hoy aprendí que no importa tanto el contorno como ciertas formas de la figura, que la dotan de mayor expresividad y rigor.
Por último, dejamos los caballetes y subimos a ver varios videos sobre las figuras tridimensionales habitables, para después comentarlos, invitándonos a adoptar una posstura crítica para poder mejorar el trabajo del compañero y el propio. El fallo más extendido fue la radical simplificación de las sugerencias del cuadro original. Esto se apreciaba especialmente en el paso del artefacto al soporte informático de rhinoceros. Otros de ellos fueron la desconexión entre el artefacto y el modelado infográfico, y la la falta de rigor al traducir la geometría del cuadro en el paso de la bidimensionalidad al 3D.
Por último, dejamos los caballetes y subimos a ver varios videos sobre las figuras tridimensionales habitables, para después comentarlos, invitándonos a adoptar una posstura crítica para poder mejorar el trabajo del compañero y el propio. El fallo más extendido fue la radical simplificación de las sugerencias del cuadro original. Esto se apreciaba especialmente en el paso del artefacto al soporte informático de rhinoceros. Otros de ellos fueron la desconexión entre el artefacto y el modelado infográfico, y la la falta de rigor al traducir la geometría del cuadro en el paso de la bidimensionalidad al 3D.
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